'브루탈리스트' 작곡가 Daniel Blumberg 인터뷰

브루탈리스트 사운드트랙 

https://youtu.be/2olBDm1ekFQ?si=iQGwLJKcNHmXGjr-

 

15 questions | Interview | Daniel Blumberg | "Scoring The Brutalist was a delicate dance between the dialogue, score and sound."

15 questions | Interview | Daniel Blumberg | "Scoring The Brutalist was a delicate dance between the dialogue, score and sound."

 

The Brutalist의 음악은 대사, 음악, 사운드 사이의 섬세한 춤이었습니다.

이름: Daniel Blumberg

직업: 작곡가, 프로듀서, 비주얼 아티스트, 작곡가

국적: 영국

최근 발매: Daniel Blumberg의 The Brutalist 스코어 
John Tilbury(피아노), Axel Dörner(트럼펫), Evan Parker(색소폰)가 참여 
다른 아티스트로는 Vince Clark, Pierre Borel(색소폰), Simon Sieger(피아노), Joel Grip(베이스)과 Antonin Gerbal(드럼) 등이 있습니다.

현재 고향인 런던에 대한 추천: 런던의 Cafe OTO는 제가 가장 좋아하는 음악 장소입니다. 라이브 음악을 보러 가는 곳이고 The Brutalist 사운드트랙에서 연주한 대부분의 뮤지션을 만난 곳이기도 합니다.

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당신의 창의성과 영화 음악 작곡 접근 방식에 있어, 선생님, 튜토리얼, 다른 작곡가 또는 개인적인 경험을 통해 배운 가장 중요한 것들은 무엇인가요?

저는 주로 친구들이나 협업자들에게서 배웠습니다. 성장하면서 제 멘토 중 한 명은 몇 년 전에 세상을 떠난 데이비드 버먼이었습니다. 18살 때 처음 내슈빌에 갔을 때부터 그와 끊임없이 대화를 나누었죠.

그가 제게 보내준 최고의 책 중 하나는 Daily Rituals: How Artists Work였어요. 이 책은 예술가들이 어떻게 시간을 관리하고 하루를 구성하는지에 대해 다룹니다. 그는 저에게 시를 접할 기회도 많이 열어주었고, 그의 추천이 그립습니다. 데이비드와 나눈 대화는 평생 기억에 남을 거예요.

피터 월시는 녹음 과정에 대해 정말 많은 것을 가르쳐주었습니다. 그와 함께 작업을 시작하기 전까지는 프로툴스조차 사용할 줄 몰랐어요. 그리고 The Brutalist에서 알토 색소폰을 연주했던 시모어 라이트는 저에게 수많은 음악과 예술을 소개해 주었고, 제가 작업하는 대부분의 프로젝트에는 그의 어떤 형태로든 조언이 담겨 있습니다.

 

전용 스코어, 사운드트랙, 임시 트랙(temp tracks), 심지어 작곡가가 영화를 먼저 보지 않고 작성한 스코어까지, 이러한 다양한 전제가 영화의 완성에 어떤 영향을 미친다고 생각하시나요?

The Brutalist 작업 중에는 브래디와 저는 우리가 함께 만든 음악 외에는 임시 음악을 사용하지 않겠다고 고집했습니다. 영화에서는 사운드, 이미지, 텍스트가 결합된 완전한 환경을 창조할 기회가 주어지기 때문에, 모든 것을 처음부터 다시 문맥화하는 것이 올바른 접근 방식이라고 생각했어요.

물론 사람마다 다르게 작업하겠지만, 우리에게는 음악이 우리가 만들고 있는 같은 세계에서 나오는 것처럼 느껴지는 것이 중요했습니다.

 

The Brutalist의 스코어 작업을 어떻게 시작하게 되었고, 그 과정에서 겪은 구체적인 도전들은 무엇이었나요?

저는 영화의 사진을 보기 전에 최대한 많은 음악을 만들고 싶었어요. 그래서 브래디와 저는 대본을 바탕으로 작업을 시작했습니다. 우리는 제작 전 단계와 촬영 중에 함께 살고 있었기 때문에, 끊임없이 대화를 나누며 작업을 했습니다.

브래디는 경우에 따라 제 음악에 맞춰 촬영하고, 현장에서 라이브 음악을 사용하고 싶어했기 때문에, 실제로 많은 작업을 미리 해야 했습니다. 그 작업 방식은 이미지와 음악을 결합하여 유기적으로 흐르는 무언가를 만드는 정말 흥미로운 방법이라고 느꼈어요.

 

창의적인 목표와 기술적인 능력이 변화함에 따라, 표현 도구도 달라지게 됩니다. 악기, 소프트웨어 도구, 녹음 장비 등 다양한 도구들에 대해 설명해 주실 수 있나요? 첫 스튜디오나 첫 악기에서 시작하여, 그동안 어떤 악기나 도구, 장비를 선택한 이유가 무엇이었는지에 대해 이야기해 주세요.

저는 음악을 쓸 때 아주 기본적인 키보드 소리를 사용하곤 해요. 그 소리는 나중에 실제로 악기들로 녹음했을 때 음악이 어떻게 될지에 대한 가능성을 제시해 주죠. 초기 단계에서 그 느낌이 맞다면, 나중에 실제로 녹음할 때 좋은 결과가 나올 거라는 생각이 들어요.

그동안 저는 매우 독특한 기법과 소리를 가진 연주자들과 함께 많은 어쿠스틱 음악을 녹음했어요. 그리고 점점 더 녹음과 마이크 기법에 대한 잠재력에 관심을 가지게 되었습니다.

저는 음악가들을 공간에서 녹음하는 동적인 과정을 가장 흥미롭게 생각합니다. 컴퓨터를 사용하는 대신, 특정한 공간이나 방에서 동적인 소리를 자연스럽게 포착하는 것 말이죠.

 

The Brutalist의 작곡 과정을 설명해 주실 수 있나요?

The Brutalist에서는 브래디와 제가 대본을 완성한 순간부터 영화에 대해 이야기를 시작했고, 꽤 초기에 음악 한 곡을 만들었는데, 그 곡이 사운드트랙의 청사진이 되었습니다. 그 곡은 Cafe OTO에서 준비된 피아노로 녹음되었으며, 피아노의 현에 나사, 종이, 동전 등 우리가 좋은 소리가 날 것 같다고 생각한 물건들을 추가하여 더 타악기처럼 들리도록 만들었습니다. 그 녹음들은 후에 스코어에서 샘플처럼 사용되었습니다.

제작 전 단계 동안, 브래디와 저는 함께 살면서 매일 밤 함께 작업을 시작하고 다양한 큐에 대해 이야기했습니다. 그가 음악에 맞춰 촬영을 원하는 때가 있었고, 저는 아파트에서 데모를 만들었고 우리는 함께 듣고 수정했으며, 현장에서 그 데모를 스피커로 틀어 촬영감독과 배우들이 음악에 반응할 수 있도록 했습니다.

그것은 이미지와 사운드 간에 즉각적인 상호작용을 만들어냈습니다: 그들은 음악에 맞춰 이미지를 수정하고, 그다음 저는 음악을 이미지와 후속 사운드 디자인에 맞춰 수정했습니다. 대화, 스코어, 사운드 간의 섬세한 균형이 필요했죠.

그 데모들을 만든 후, 저는 유럽 전역에서 특정한 연주자들과 함께 녹음하기 시작했습니다. 에반 파커, 악셀 도르너, 소피 아녤, 존 틸버리, 조엘 그립 같은 놀라운 연주자들이었죠. 저는 매우 고품질의 마이크와 작은 여행 가방에 들어가는 Sonosax 레코더를 사용해 휴대용 녹음 장비를 구축했습니다. 마이크는 모두 Schoeps와 Neumann u89를 사용했으며, Sonosax와 마찬가지로 방 안에서 일어나는 다이나믹을 매우 정확하게 포착할 수 있습니다. 이 연주자들을 그들이 가장 편안하게 느끼는 환경과 공간에서 녹음했습니다.

몇 달간의 여행 후, 저는 피터 월시와 함께 녹음한 음악을 모아서 최종 사운드 믹스 전까지 모든 음악을 믹싱했습니다.

 

영화 작곡에서 중요한 부분은 이미지와 이야기의 해석 능력이라고 생각합니다. 이 과정이 당신에게 어떻게 작용하며, 그 해석들이 어떻게 사운드와 작곡으로 이어지는지 설명해 주세요.

저는 이미지에 맞춰 녹음 세션을 진행하는 것을 좋아하지 않습니다. 즉, 연주자들에게 움직이는 영상을 보여주며 녹음하는 것을 피하는데, 그 이유는 음악에만 집중할 수 있는 기회를 유지하고 싶기 때문이죠. 그리고 일종의 '일러스트레이션'을 피하고 싶습니다. 하지만 이는 세션마다 다를 수 있습니다.

예를 들어, 에반 파커가 소프라노 색소폰으로 녹음할 때, 저는 그에게 이탈리아 카르라의 세트에서 찍은 두 장의 정지 이미지를 보여주었습니다. 하나는 대리석 채석장의 넓은 전경으로, 대리석의 사각형 조각들이 매우 작게 보이며 픽셀처럼 보였습니다. 다른 하나는 채석장 안의 아주 근접 촬영으로, 대리석 덩어리가 매우 크고 무겁게 보였습니다.

저는 이 두 이미지를 보여주었고, 그와 함께 제가 쓴 음악도 제공했습니다. 그리고 그것들이 그가 즉흥 연주를 시작하는 두 가지 출발점이 되었습니다.

 

또 다른 예시로, 브래디가 VistaVision 카메라를 사용하여 프레임 주변의 빛을 아주 구체적으로 늘리는 인카메라 효과를 적용한 장면이 있었습니다.

저는 이 효과를 연주자들에게 보여주었고, 그들이 에르제벳의 테마 Erzebet’s theme 를 연주할 때 그 효과와 같은 방식으로, 즉 늘어나고 약간 어지럽고 마약처럼 느껴지게 연주하길 원했습니다. 에르제벳의 테마는 주인공 아내의 주요 로맨틱 테마입니다.

그 경우에는 이미지가 녹음 세션의 방향을 설명하는 데 정말 유용했습니다. 영상을 통해 연주자들이 음악을 어떻게 표현해야 할지, 그 느낌을 정확하게 전달할 수 있었던 것이죠.

 

당신의 경험과 관점에서, 감독과의 이상적인 협업은 어떤 모습일까요?

브래디와의 협업은 정말 이상적인 상황이었고, 저는 그 순간이 매우 드물고 특별한 순간이라는 것을 계속해서 인식하고 있었습니다. 저는 브래디를 깊이 사랑하는 친구로서, 그가 모나 [Fastvold]와 함께 쓴 이 프로젝트와 이야기를 실현하는 데 도움을 주기 위해 작업했죠. 그 이야기는 제가 그의 인생에서 가장 위대한 작품 중 하나가 될 수 있다고 생각하고, 매우 중요한 작품이라 생각했습니다. 그래서 처음부터 저는 그 이야기와 어울리는 음악을 만들기 위해 최선을 다하는 것이 정말 중요했습니다.

브래디처럼 제가 매우 신뢰하는 사람과 작업할 수 있다는 것은 큰 행운이었고 – 그는 제가 몇 년 동안 그의 소파에서 자고, 그의 가족과 함께 살았던 사람입니다 – 그래서 저는 이 매우 타협하지 않고 놀라운 예술가들에게 스코어에 기여할 수 있도록 요청하는 것이 편안했습니다. 그들이 잘 대우받고, 그들의 작업이 존중받을 것이라는 걸 알았기 때문이죠. 사람들에게 당신이 진정으로 믿는 작업에 참여하도록 요청하는 것이 훨씬 더 쉬워집니다.

브래디와 저는 처음 만난 이후로 여러 해에 걸쳐 대화를 이어왔습니다. 우리는 서로를 지원할 뿐만 아니라, 서로를 밀어주기도 합니다. 이 협업의 과정을 통해 우리는 서로에 대해 새로운 것을 배우죠. 전체적으로 말하자면, 정말 이상적인 협업이었습니다.

 

영화의 사운드 스테이지의 다른 요소들, 예를 들어 폴리(대사와 효과음), 효과음 등이 당신의 창작 결정에 어떻게 영향을 미치나요?

The Brutalist에서는 스테레오 사운드를 생성하는 세 부서가 완전한 대화를 나누는 것이 매우 중요하다고 느꼈습니다. 스코어를 만들 때, 당신은 다이제틱 사운드(현실적인 소리)와 대사와 같은 다른 소리들과 공간을 공유하게 됩니다. 대사는 흔히 주된 소리 역할을 하죠.

저는 현장에서 촬영할 때 운이 좋게도 언제든지 추가 마이크를 설치할 수 있었습니다. 카르라의 장면에서는 대리석 채석장의 리버브 임펄스 응답을 녹음하고, 그것을 에반 파커의 색소폰 녹음에 적용하여 그가 실제로 채석장에서 연주하는 것처럼 들리게 만들었습니다.

저는 사운드 편집자 스티브 싱글과 끊임없이 대화를 나누었고, 우리는 사운드의 교차점에 대해 매우 소통하며 작업했습니다.

예를 들어, 저는 악셀 도르너(트럼펫)와 사이먼 지거(튜바)가 드릴 소리를 흉내 낸 소리를 연주하는 것을 녹음했는데, 그 후 스티브는 실제 드릴 소리와 그 소리를 균형 있게 조정해야 했습니다. 복잡한 과정이었지만, 이런 과정들은 영화 속에서 느껴지지 않을 수는 있지만, 관객을 더욱 아드리언(브로디)의 캐릭터 속으로 깊숙이 들어가게 만듭니다. 특히 영화 후반부에서는 그가 현실에 점점 더 혼란스러워하는 모습을 잘 전달할 수 있었습니다.

이것은 협업적인 매체이며, 각 부서가 서로 영향을 주고받으며 작업하는 것이 브래디의 비전처럼 순수하고 직설적인 이야기를 만드는 데 더 효과적이라고 생각합니다.

 

시각, 효과, 영화 음악 사이의 균형은 매우 섬세합니다. 당신의 관점에서 그것이 성공적인 균형이 되느냐 아니냐는 무엇에 의해 결정된다고 생각하시나요?

성공적인 균형은 감독이 그를 잘 표현하고, 그의 의도가 실현된 경우라고 생각합니다.

영화는 복잡합니다. 그림이나 드로잉을 만들 때는 매우 직관적입니다. 종이를 한 장 얻고 손을 움직이면 그 종이에 전체적으로 존재하는 이미지를 만드는 것이죠. 음악도 그와 비슷한 점이 있습니다 – 기타로 곡을 녹음하면 그것이 전체 작품이 됩니다. 영화는 매우 다릅니다. 감독이 매우 특정한 방식으로 이야기하려는 내러티브가 있고, The Brutalist와 같은 대규모 내러티브 영화를 만들 때는 많은 협력자들이 필요합니다. 협업의 잠재적 문제는 다양한 의견을 통해 아이디어가 희석될 수 있고, 그것이 그리 직설적이지 않다는 점입니다.

제가 사랑하는 감독들에게서 가장 영감을 받는 부분은 그들이 그들의 비전의 초기 직관성을 전부 유지할 수 있다는 점입니다 – 배우와 그들의 연기, 시각, 사운드, 의상 등 모든 요소들 속에서도 말이죠. 그것이 제가 생각하는 성공적인 영화의 핵심적인 요소 중 하나입니다, 바로 감독의 저자성이죠.